Genesis est la lettre d’amour adressée par Sebastião Salgado à la planète: un portfolio monumental dédié à la nature, aux peuples indigènes et aux animaux qui montre la Terre dans toute la splendeur inestimable de ces contrées encore préservées. Dans les tonalités monochromes caractéristiques de Salgado, ce recueil est absolument saisissant, autant dans ses panoramas sublimes que dans les plus infimes détails et matières de la nature.

Depuis sa première publication en 1965, la collection de photographies d’Helen Levitt prises dans les rues de New York dans les années 1940 est un classique du genre. Réalisé en collaboration avec l’écrivain James Agee, qui a fourni l’introduction du livre, A Way of Seeing a été publié deux fois avec des modifications supplémentaires au cours de la vie de Levitt. L’attention de Levitt portée aux enfants et aux communautés marginalisées offre une perspective pleine de compassion. Son travail a aussi établi une nouvelle norme pour l’authenticité et la narration poétique en photographie de rue. A Way of Seeing demeure une référence pour ceux qui recherchent l’humanité dans leurs images.

New Topographics : Photographs of a Man – Altered Landscape est une exposition photographique organisée en 1975 à la George Eastman House de Rochester par William Jenkin et Joe Deal. Elle rassemblait huit jeunes artistes américains, représentatifs de la génération émergente de photographes de paysage, auxquels s’était joint le couple allemand Bernd et Hilla Becher. Robert Adams, Lewis Baltz, Joe Deal, Frank Gohlke, Nicholas Nixon, John Schott et Henry Wessel présentaient chacun vingt tirages noirs et blancs, tandis que Stephen Shore montrait vingt images en couleurs prises à la chambre. Tous s’écartent du paysage naturel et questionnent le paysage industriel voire post-industriel d’une façon frontale, dénuée de tout romantisme, celui-ci étant considéré comme quelque peu naïf à l’époque de la guerre du Vietnam et des émeutes raciales. New Topographics est depuis devenu un manifeste pour une nouvelle vision de la photographie de paysage. 

Sleeping par the Mississippi d’Alec Soth est l’une des publications les plus marquantes de l’ère du livre photo. Publié pour la première fois par Steidl en 2004, il s’agit du premier livre d’Alec Soth, vendu en trois tirages, et qui l’a établi comme l’un des chefs de file de la pratique photographique contemporaine. Issu d’une série de voyages le long du Mississippi, Sleeping par the Mississippi capture la « troisième côte », emblématique mais souvent négligée, de l’Amérique. Les photographies couleur grand format de Soth, richement descriptives, présentent un mélange éclectique d’individus, de paysages et d’intérieurs. Sensuel dans le détail et brut dans le sujet, Sleeping par the Mississippi suscite une atmosphère constante de solitude, de nostalgie et de rêverie. A travers ce livre, Soth fait allusion à la maladie, à la procréation, à la race, au crime, à l’apprentissage, à l’art, à la musique, à la mort, à la religion, à la rédemption, à la politique et au sexe à bon marché.

Le livre mythique The Somnambulist est publié en 1970. Il représente le premier volet de The Trilogy, complétée par Déjà-Vu (1973) et Days at Sea (1974). The Somnambulist bouleverse alors les codes de l’édition de livres de photographie traditionnelle, dominée à cette époque par le photojournalisme. Ralph Gibson, très influencé par le cinéma de la Nouvelle Vague française et le Nouveau Roman, conçoit un ouvrage d’un genre nouveau, déployant son langage photographique à travers une mise en page où des images souvent mystérieuses et troublantes, non accompagnées de texte, se suffisent à elles-mêmes. Essuyant le refus des maisons d’édition traditionnelles, Ralph Gibson décide de publier lui-même son livre et crée sa maison d’édition Lustrum Press. Le livre, considéré comme une œuvre d’art à part entière, connaît un succès mondial.

Un quart de siècle ou presque après sa publication, il est difficile de sous-estimer l’importance de The Last Resort, tant pour la photographie britannique que pour la carrière de Martin Parr. C’est entre 1982 et 1985 que Martin Parr réalise la série The Last Resort. Entre satire et cruauté – non dénuées d’une certaine tendresse pour ses congénères anglais –, il dresse le portrait de familles aux revenus modestes prenant leurs vacances à New Brighton près de Liverpool, petite station balnéaire en déclin. Ce qui aurait dû ressembler à un quartier d’été, passé à la moulinette de Parr, prend soudain des airs de zone industrielle. Avec une ironie mordante, Martin Parr évoque dans The Last Resort, sa nostalgie des années 60. Il dénonce la fin d’un monde (le monde ouvrier) et de ses valeurs, ainsi que l’avènement d’une nouvelle conception, consumériste de la vie.

Cape Light, la série de photographies en couleurs sereines et contemplatives de Joel Meyerowitz prises à Cape Cod, au Massachusetts, est rapidement devenue l’un des livres de photo les plus influents et les plus populaires de la dernière partie du 20e siècle après sa publication en 1978, innovant à la fois pour la photographie couleur et pour l’acceptation du médium dans le monde de l’art.

Régulièrement cité comme l’un des plus importants livres de photographie, Ravens du japonais Masahisa Fukase fut publié pour la première fois en 1986 en deux éditions qui furent très vite épuisées. Cette série habitée a été  réalisée entre 1975 et 1986 à la suite du divorce du photographe et fut apparemment déclenchée par un voyage en train vers sa ville natale lors d’un deuil. Les images sombres et évocatrices de Fukase sur les corbeaux explorent ainsi les thèmes de la solitude et de la perte. Les compositions austères et les tons mélancoliques des images transmettent un profond sentiment d’isolement.

Considéré comme l’un des photographes de paysage les plus importants de tous les temps, Ansel Adams était un maître visionnaire dont les images en noir et blanc grand format retranscrivaient avec éloquence la beauté naturelle des États-Unis. Publié en 1979, sa monographie la plus emblématique est centrée sur le parc de Yosemite, un lieu qui a inspiré son parcours photographique et avec lequel il est devenu indissociable. 

Une collection marquante du travail d’Annie Leibovitz, ce livre couvre deux décennies de sa carrière, mettant en lumière sa capacité à capturer l’essence de ses sujets. Avec des portraits iconiques de célébrités aux photographies personnelles et émotionnelles, il consolide son statut comme l’une des plus grandes photographes de son époque.